Norient Festival 2026
DE:
Das 14. Norient Festival fragt: Wie leben wir in einer zerbrochenen Welt – durch Filme, Poesie, Musik, Klang, Stille, Geschichten, Lachen und Streit?
Drei Tage lang bewegen wir uns vom Persönlichen zum Geopolitischen – von Gaza nach Delhi, vom Schweizer Jodeln zum westafrikanischen Trommeln, von Sufi-Poesie zu Protestgesängen, von indischer Klassik zu basslastigen Clubnächten bis hin zur Stille von Wildschweinen, die sich im Dickicht verstecken. Wir zoomen vom Einzelnen zum Vielfältigen und fragen: Wie stellen wir uns die Welt der Zukunft vor? Wie leben, bestehen, trauern, denken, gestalten und navigieren wir Unterschiede und Konflikte? Welche Risse bleiben offen – und welche neuen Welten beginnen durch sie zu klingen? Während ein Schwerpunkt des Festivals, kuratiert von der künstlerischen Co-Leiterin Suvani Suri (Delhi), Klang-Communities, Fragilitäten, Zuhören als Denken und Widerstand nachzeichnet, erkundet der andere Schwerpunkt – kuratiert vom künstlerischen Co-Leiter Philipp Rhensius (Berlin) – die Bereiche, in denen Poesie zu flackern beginnt: Was wäre, wenn Poesie Zukünfte hörbar macht, bevor sie eintreten?
Am Samstag übernehmen wir den Dachstock in der Reitschule Bern für zehn Stunden voller Konzerte, Club-Sets und Stimmen. Eine Veranstaltung, geprägt von aufstrebenden Schweizer Künstler*innen, dem visionären Duo Ego Death, einem fesselnden Streichquartett und DJs sowie Live-Acts aus aller Welt.
Kommt für die Risse. Bleibt für das, was durch sie erklingt.
EN:
The 14. Norient Festival asks how to live in a fractured world – through films, poetry, music, and sound; through listening, silence, stories, laughter, and even disagreement?
Over three days, we move from the personal to the geopolitical – from Gaza to Delhi, from Swiss yodeling to West African drumming, from Sufi poetry to protest chants, from Indian classical music to bass-heavy club nights, to the silence of wild boars hiding. As we zoom in and out from the particular to multitudes, we ask, how do we imagine the world to be? How do we live, persist, grieve, think, make, and navigate differences and conflict? What cracks stay open, and what new worlds begin to sound through them?
While one festival focus, curated by artistic co-director Suvani Suri (Delhi), traces sonic communities, fragilities, listening as thinking and resistance, the other focus – curated by artistic co-director Philipp Rhensius (Berlin) – explores the zones where poetry starts to flicker, asking, what if poetry makes futures audible before they happen?
On Saturday, we take over Dachstock at Reitschule Bern for ten hours of concerts, club sets, and voices. An event shaped by up-and-coming Swiss artists, the visionary duo Ego Death, a captivating string quartet, and DJs along with live acts from around the globe.
Come for the cracks. Stay for what sounds through.
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Programma
Block 1: Sonic Emergencies: Between Sensing and Sense-Making
Beschreibung
19:30 – 23:00: Zwei Filme + Q+A / Two Films + Q+A
DE:
Ein Abend über die Politik des Zuhörens.
Preemptive Listening von Aura Satz rüttelt uns auf und lässt uns nachdenken über Sound in Momenten von Krisen und Protesten. Über Sirenen als Signale der Angst, aber auch als Appell, Verantwortung zu übernehmen und sich den Menschen zuzuwenden. Der Sound-Chronist Mohamed Yaghi hört in Gaza Sound Man unermüdlich zu. Mitten in einer Welt der Zerstörung zeichnet er akustische Zeugnisse auf. Diese Filme hinterlassen dringliche Fragen: Wie kann Zuhören zu einer Form von Aktivismus werden?
Diskussion nach den Filmen mit Aura Satz und Mohamed Yaghi (Online). Moderiert von Suvani Suri und Philipp Rhensius.
EN:
An evening about the politics of listening.
Aura Satz’s Preemptive Listening shook us. It made us think about sound in moments of crisis and protest – about sirens as signals of fear, but also as a call to take responsibility and turn to people. Sound chronicler Mohamed Yaghi listens tirelessly in Gaza Sound Man. In the midst of a world of destruction, he records acoustic testimonies. These films left us with questions that feel urgent: How can listening become a form of action?
Discussion after the films with Aura Satz and Mohamed Yaghi (online). Hosted by Suvani Suri and Philipp Rhensius
Themen/Topics: War, Violence, Voice, Soundscape, Affect, Non-Fiction Cinema, Listening
Preemptive Listening (89 min)
Alarms can also awaken new forms of attention, relationality, and collective response.
DE:
In Preemptive Listening (Präventives Zuhören) deuten 20 experimentelle Musiker*innen die Sirene um. Von einem Alarmsystem zu einem Pendel, das zwischen Notfall und Aufbruch, zwischen Angst und Möglichkeit hin- und herschwingt. Der audiovisuelle Essay-Film bewegt sich durch unterschiedliche Krisen, geografische und klangliche Räume. Können Sirenen auch anders Aufmerksamkeit wecken und so eine neue Form der kollektiven Reaktion sein?
EN:
In Preemptive Listening, 20 experimental musicians reimagine the siren as more than an instrument of command and a simple alarm system, instead treating it as a fragile threshold between emergency and emergence, fear and possibility. Moving across crises, geographies, and sonic cultures, the film asks whether alarms also awaken new forms of attention, relationality, and collective response.
19:30–21:00
Regie/Director: Aura Satz
Dauer/Duration: 89 min
Land/Country/Jahr/Year: FIN 2024
Mit/Featuring: Christina Kubisch, Moor Mother, Laurie Spiegel, Sarah Davachi, and more
Themen/Topics: Violence, Sound, Affect, Perception
Gaza Sound Man (43 min) + Q+A
DE:
Gaza Sound Man begleitet den Sound-Chronisten Mohamed Yaghi, der seit dem 7. Oktober 2023 den Krieg in Gaza, der von der UNO und zahlreichen Organisationen und Regierungen als Genozid bezeichnet wird, mit seinem Aufnahmegerät dokumentiert – von Drohnen am Himmel bis zu Stimmen, die entschlossen sind, weiterzuleben. Unter extremen Umständen gedreht, stellt der Film das Zuhören in den Mittelpunkt. Hier ist Gaza keine abstrakte Schlagzeile, sondern eine gelebte Realität. Audioaufnahmen werden zu Beweismitteln.
Diskussion nach dem Film mit Aura Satz und Mohamed Yaghi (Online). Moderiert von Suvani Suri und Philipp Rhensius.
EN:
Gaza Sound Man follows the sound chronicler Mohamed Yaghi, who, since October 7, 2023, has been documenting the war in Gaza, which the UN and numerous organizations and governments call a genocide. With his recording device, he captures everything, from drones overhead to unique voices, determined to continue living. Made under extreme circumstances, the film foregrounds listening as a form of witnessing and presence, refusing to reduce Gaza to abstraction or victimhood. The film’s urgency lies in affirming Gaza not as a headline, but as a lived world. Audio recordings become evidence.
Discussion after the film with Aura Satz and Mohamed Yaghi (online). Hosted by Suvani Suri and Philipp Rhensius
21:15–23:00
Regie/Director: Hosam Abu Dan – 43 min
Land/Jahr/Year: QAT 2025
Mit/Featuring: Mohamed Yaghi
Sprachen/Languages: Arabisch/Arabic
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: War, Soundscape, Violence, Voice
Block 2: When Black Politics Meets Dance
Beschreibung
23:00: Talk + DJ sets
DE:
Black House und Dance Music stehen im Mittelpunkt unserer ersten Norient-Festivalnacht in der Cafete der Reitschule Bern. Das Zürcher Kollektiv BLKSHFT und Nairobis Grenzen auslotende DJ Coco Em führen uns durch Sounds und Genres wie Chicago House oder Detroit Techno, die tief in schwarzen Musikkulturen und Geschichten verwurzelt sind. Um die Kraft dieser Musik zu begreifen, muss man ihre Wurzeln spüren – und das wird in dieser Nacht möglich. Eröffnet wird der Abend mit einem kurzen Talk, bevor die Rhythmen und Beats übernehmen. Wo Politik auf Tanz trifft, entsteht Energie, die weit über den Club hinaus wirkt.
EN:
Black House and dance music take center stage at our first Norient Festival night in the Cafete, Reitschule Bern. Zurich-based collective BLKSHFT and Nairobi’s boundary-questioning DJ Coco Em lead us through sounds and genres like Chicago House or Detroit Techno that are deeply rooted in Black musical traditions and histories. To understand the power of this music, one must connect with its roots – and that’s what this night is all about. The evening opens with a short talk before rhythms and beats take over. Where politics meets dance, energy flows far beyond the club.
BLKSHFT
DE:
BLKSHFT sind Blue Method, Stallone Anderson und Serge P. Die drei besinnen sich auf ihre eigenen Wurzeln in der Black Electronic Music und lassen sich vom Erbe afrikanischer Rhythmen über Chicago House und Detroit Techno bis hin zur Rave-Kultur inspirieren. Zudem veröffentlichen sie ihre eigene Musik und kuratieren Live-Events sowie DJ-Sets. «We know where we come from, and we’re here to help shape our story. The future is now.»
EN:
BLKSHFT consists of Blue Method, Stallone Anderson, and Serge P. United by their vision and roots in Black electronic music, and influenced by African rhythms, Chicago House, Detroit Techno, and rave culture, they release their own music, curate live events, and DJ. «We know where we come from, and we’re here to help shape our story. The Future is now.»
Emma Mbeke Nzioka
DE:
Emma Mbeke Nzioka ist multidisziplinäre Künstlerin, DJ, Musikproduzentin und Aktivistin aus Nairobi, Kenia. 2021 wurde sie als Filmemacherin und Fotografin mit dem Cinematographer of the Year Award und Director of Photography im preisgekrönten Dokumentarfilm No Simple Way Home (2022) ausgezeichnet. Emma ist auch Aktivistin und Vermittlerin: Sie ist Gründerin von «Pass Pass», einer Initiative, die sich für Reisefreiheit und Empowerment von afrikanischen Künstler*innen einsetzt und globale Kooperationen ermöglicht. Sie ist auch für Sim Sima und als DJ Coco Em aktiv und war künstlerische Leiterin des 13. Norient Festivals im Jahr 2024.
EN:
Emma Mbeke Nzioka is a multifaceted artist based in Nairobi, Kenya. She is winner of the Cinematographer of the Year 2021 WIFA (Women in Film Award), and is the primary director of photography (DOP) for the award-winning feature documentary No Simple Way Home (2022). An activist and educator, Emma is the founder of Pass Pass, an initiative dedicated to empowering African artists, promoting free movement, global collaboration, and sustainable livelihoods, with a focus on restoring dignity to cultural practitioners. Emma works for Sim Sima and is a DJ and producer under the name Coco Em. Nzioka was the artistic director of the 13. Norient Festival in 2024.
Block 3: Soft Bodies, Hard Words: Poetry in Times of Crisis
Beschreibung
DE:
Eine Welt bricht zusammen und die nächste ist noch nicht da - in dieser Lücke kann Neues entstehen. Die zweiteilige Veranstaltung Soft Bodies, Hard Words bringt Künstler*innen, Dichter*innen und Zuhörer*innen zusammen, um diese Zwischenzone zu schaffen – einen Raum, in dem die zarten, aufgewühlten, neugierigen und unbeholfenen Bereiche erkundet werden, in denen Poesie zu flackern beginnt.
EN:
One world is collapsing, and the next hasn’t arrived yet – in this gap, new things can begin to sound. The two-part event Soft Bodies, Hard Words brings together artists, poets, and listeners to create this in-between zone - a space to explore the tender, agitated, curious, clumsy zones where poetry starts to flicker.
CHAPTER 1: Words in the Air: Artistic Interventions With the Poetic (14.00 - 18:45)
CHAPTER 2: Words for the Future: A Sonic Fiction Night (21.30 - 02:00)
CHAPTER 1 Words in the Air: Artistic Interventions With the Poetic
14:00 - 18:45: Poetry und Live Musik
DE:
Im ersten Kapitel teilen drei Künstler*innen ihre Praxis. Sie fragen sich: Mit welchen poetischen Mitteln kann man sich künstlerisch, klanglich und allgemein kreativ ausdrücken? Von Erasure-Poesie, die bestehende Texte neu deutet bis zur Suche nach filmischen Sprachen, vom (Neu-)Schreiben bis zum lauten (Neu-)Lesen. Hier werfen wir einen Blick auf die vielfältigen Formen, aus denen Poesie entsteht. Uzma Falak (Kashmir), nithin shams (Kerala/Berlin) und Yashaswini (Bangalore) experimentieren und performen dabei live.
EN:
In Chapter 01, three artists share their practices that grapple with forms of expressing, sounding, and creating via poetry. From erasure poems to telling the life of a poet, from translation and remediation to research and finding cinematic languages, from (re)writing to (re)reading out loud, we will look at the diverse visual and sonic forms that poetry gets recomposed in. Featuring experimental and performative sessions by Uzma Falak (Kashmir), nithin shams (Kerala/ Berlin), and Yashaswini (Bangalore).
Chapter 1: Uzma Falak (14:00)
DE:
Uzma Falak forscht als Doktorandin der Anthropologie in der Universität von Heidelberg darüber, wie Kaschmirs Frauen Sound verwenden, um die eigene Realität zu erfassen. Ihre literarischen und wissenschaftlichen Arbeiten, Gedichte, Essays und Reportagen sind in verschiedenen Publikationen erschienen, ihre schriftlichen, visuellen und akustischen Arbeiten wie ihr Film Till Then the Roads Carry werden regelmässig in Galerien gezeigt, an Festivals, Universitäten und in Theater. So etwa am Tate Modern Exchange, West Space und am Australian Centre for Contemporary Art (Naarm/ Melbourne).
EN:
Uzma Falak, pursuing a PhD in anthropology at the University of Heidelberg, researches how Kashmiri women use sound to imagine different realities. Her artistic and academic work, poetry, essays, and reportage have appeared in several publications, such as English Language Notes, Anthropology and Humanism, and Guernica, as well as several edited collections. She has presented her written, visual, and sound work, including her film, Till Then the Roads Carry Her, at several galleries, festivals, universities, and theaters, such as the Tate Modern Exchange, West Space, and the Australian Centre for Contemporary Art (Naarm/ Melbourne), among others.
Links (profile):
https://liquidarchitecture.org.au/artists/uzma-falak
https://regionalarts.com.au/people/uzma-falak
https://www.sapiens.org/authors/uzma-falak/
Select writings:
https://www.sapiens.org/authors/uzma-falak/
https://www.guernicamag.com/life-or-siege/
https://adimagazine.com/articles/the-smallest-unit-of-time/
https://disclaimer.org.au/contents/capture-all/echoes-from-an-anechoic-chamber
https://regionalarts.com.au/resources/considerations-emergent-on-the-first-and-second-occasions-of-regional-assembly-3-2-2-2?
Details of select readings:
https://www.uni-potsdam.de/de/veranstaltungen/detail/2023-05-21-poetry-reading
https://savvy-contemporary.com/de/events/2022/if-undelivered/
https://www.dystopia.berlin/2024/in-between-the-field-archives-and-art/
Chapter 1: Yashaswini Raghunandan (16:30)
DE:
Yashaswini Raghunandan lebt in Bangalore und arbeitet mit Film und Sound, um in verschiedenen Erzählformen, etwa Doku-Fiction, über die Gegenwart nachzuspüren. Ihr 2019 erschienenes Filmdebüt That cloud never left feierte am Filmfestival in Rotterdam Premiere und wurde u.a. als bester experimenteller Dokumentarfilm von der Sharjah Film Plattform ausgezeichnet, mit dem goldenen FILAF am Festival für Kunst und Film in Perpignan, und er erhielt eine spezielle Erwähnung am Kasseler DokFest.
EN:
Yashaswini Raghunandan lives in Bangalore and works with both film and sound to build docu fiction narratives as a way to think about the present. In 2019, she made her first feature film, That Cloud Never Left, which premiered at the International Film Festival Rotterdam and was selected for the Best Experimental Film award at Sharjah Film Platform; the Gold FILAF at the Festival of Art and Film, Perpignan, France; and received a Special Mention at the Kasseler DokFest.
Chapter 1: Nithin Shams (17:45)
DE:
nithin shams spielt mit Sound. shams lebt in Berlin und lernt Dinge über Klang, die shams wusste, neu. nithin wurde durch Orte in Sharjah, Cochin, Chennai, Sonipat, Neu Delhi, Bastora, Attapadi und nun Neukölln geprägt. shams interessiert sich dafür, wie Communities entstehen, Kunst vermittelt und gestaltet wird und spaziert, denkt, und teilt die Liebe für Sounds mit anderen. shams ist offen für jede Person, die «hallo» sagen möchte.
EN:
nithin shams plays with sound. They are based in Berlin and are re-learning everything they thought they knew about sound, sometimes embarrassingly. They have been nurtured and have nurtured homes in Sharjah, Cochin, Chennai, Sonipat, New Delhi, Bastora, Attapadi, and now Neukölln. Their main areas of interest are community building, arts education, residency design, walking, thinking, and sharing their love for sounds. Their ears are open and welcome anyone who wants to say hello.
Chapter 2: Words for the Future: A Sonic Fiction Night
Chapter 2: Words for the Future: A Sonic Fiction Night
21:30 - 02:00: Poetry und Live Music
DE:
Poesie lässt Wörter vibrieren, verzerren, in Echos auftauchen und neue Rhythmen entstehen. Was wäre, wenn Poesie die Zukunft hörbar machen könnte, noch bevor sie geschieht? Diese Nacht mit Poesie- und Sound-Performances hört diesen Momenten zu – in denen das Alltägliche fremd wird und das Persönliche plötzlich politisch. Eine Nacht kollektiver Sonic Fiction – in der Poesie die Zukunft probt und das Kommende darauf antwortet. Wir freuen uns auf einen Abend in intimer Atmosphäre mit der Dichterin und Aktivistin Stella Nyanzi (Uganda), der Dichter*in und Künstler*in Ezzo Scourti (Athen/London), der Performance-Künstlerin Hilde Wollenstein aka freeversion (Berlin/Rotterdam) und der Dichter*in und LGBTQ+-Aktivist*in Logan February (Nigeria) – gemeinsam mit den Klangkünstler*innen bloop, Alienationist, nithin shams und weiteren.
EN:
Poetry makes words hum, distort, echo, and find rhythm in the air. What if poetry could make futures audible before they happen? This night of poetry and sound performances listens for those moments, where the mundane turns strange, where the personal suddenly becomes political. A night of collective sonic fiction, where poetry rehearses the future, and the future answers back. An intimate night of deep listening with poet and activist Stella Nyanzi (Uganda), poet and artist Ezzo Scourti (Athens/London), performance artist Hilde Wollenstein (Berlin/Rotterdam), and poet and LGBTQ voice Logan February (Nigeria). They will be joined by sound artists and musicians, bloop, Alienationist, nithin shams, and others.
Chapter 2: Stella Nyanzi
DE:
Die Poetin und Aktivistin Stella Nyanzi nutzt Sprache als Waffe gegen Machtstrukturen. In ihrer Heimat Uganda wurde sie inhaftiert, weil sie den Präsidenten offen kritisierte. Heute setzt sie ihren Kampf aus dem Exil in Berlin fort. Ihre Poesie macht, was die Mächtigen am meisten fürchten: Sie lacht und setzt ihnen zu, indem sie standhaft bleibt und unbeugsam weitermacht. Ihr neuestes Buch Exiled for My Mouth: Poems from across Borders ist ein absolutes Muss.
EN:
Poet and activist Stella Nyanzi wields language like a weapon against power. Jailed in her homeland, Uganda, for calling out the president, she now continues the fight from her exile in Berlin. Her poetry does what power hates most: it laughs, it injures, it refuses to kneel. Her latest book Exiled for My Mouth: Poems from across Borders is a must-read.
Chapter 2: Logan February
DE:
Logan February schreibt zwischen Herkunft und Zukunft, Körper und Mythos. Als queerer Poet*in, sagte die nigerianische Autor*in in einem Interview, habe die sich von den Werten des Kolonialismus befreit und lasse sich heute von vorkolonialen Formen des Wissens und Seins inspirieren. Aus Yoruba-Traditionen, queerer Sehnsucht und der unerschöpflichen Fülle des Alltags schöpfend, bewegen sich Februarys Gedichte wie Geister – intim, ekstatisch und furchtlos.
EN:
Logan February writes at the crossroads – between ancestry and the future, body and myth. A queer poet forged in outsiderhood, the Nigerian poet has said that living outside the colonial frame freed them from its values and turned them back toward pre-colonial ways of knowing and being. Drawing from Yoruba traditions, queer longing, and the soft voltages of love and memory, their poems move like spirits – intimate, ecstatic, and unafraid.
Chapter 2: Ezzo Scourti
DE:
Ezzo Scourti schreibt aus dem Inneren des Feeds – wo Gefühle zu Daten werden, Tagebücher ihre Ränder verlieren und Identitäten neue Formen finden. Die Arbeiten der Poet*in und Künstler*in wurden u.a. auf der High Line in New York, beim Serendipity Festival in Hongkong oder in der Athen Biennale ausgestellt. Zwischen London und Athen pendelnd, entzieht sich Scourti jeder glatten Oberfläche, jeder endgültigen Benennung. Ihre Bücher – darunter No to Self (Veer, 2023) und As the Non-World Falls Away (TEXTZ, 2024) – öffnen Fenster in Zonen, in denen das Persönliche und das Technologische miteinander flirten.
EN:
Ezzo Scourti writes from inside the feed, where feelings become data, diaries are networked, and selves remix under pressure. They have exhibited internationally, including at High Line New York, SerendiCity Festival, in Hong Kong, and at the Athens Biennale, among others. Living between London and Athens, their work merges voice, intimacy, and identity, refusing smoothness, refusing extraction. Their solo publications include No to Self (Veer, 2023) and As the Non-World Falls Away (TEXTZ, 2024).
Chapter 2: Hilde Wollenstein
DE:
Hilde Wollenstein bewegt sich künstlerisch zwischen Poesie, Performance und elektronischer Musik. Ihre Spoken-Word-Performances klingen wie Botschaften aus einer Welt, die wir nur schemenhaft erahnen: Teils sind sie Glitch-Mantras, teils sanfter Aufstand gegen binäre Vereinfachungen. Als Künstlerin, die soeben ihren Master in Sonologie am Royal Conservatory in Den Haag abgeschlossen hat, ist sie bereit für eine Epoche, die von Störsignalen und schmelzender Zärtlichkeit geprägt ist.
EN:
Working between poetry, performance, and electronic music, Hilde Wollenstein’s practice moves through glitch, desire, and digital ghosts. Her spoken word music performances sound like messages from a world we half remember but haven't lived yet: part glitch-spell, part soft riot against clean binaries. Having recently finished a Master's in Sonology at the Royal Conservatory of The Hague, she is a poet for an era of broken signals and burning tenderness.
Block 4: VOIDS, THRESHOLDS
Beschreibung
18:00 - 22:30: 2 Films and 1 Solo Concert
DE:
Was bedeutet es, künstlerisch in den feinen Übergängen zwischen Stille und Lärm, Vibration und Frequenz zu arbeiten – und dabei die eigene Stimme immer wieder neu zu entdecken? Die Filme im Kino Rex widmen sich der klassischen und zeitgenössischen Musik Indiens. Der Abend beginnt mit einem Solo-Konzert von Rounak Maiti aus Mumbai, gefolgt von filmischen Porträts des visionären Sängers Kumar Gandharva und der Bass-Sitar-Meisterin Annapurna Devi.
EN:
What does it mean to create at the edge of silence and noise, vibration and frequency, to find one’s own voice, again and again? The films at the Rex cinema are dedicated to classical and contemporary Indian music. The evening begins with a solo concert by Rounak Maiti from Mumbai, followed by film portraits of the visionary singer Kumar Gandharva and the bass sitar master Annapurna Devi.
Rounak Maiti - Solo Concert (18:00)
DE:
Aus der Einsamkeit heraus entsteht die Musik von Rounak Maiti. Musik, die er selbst schreibt, aufnimmt und produziert. Seine Hörer*innen lädt er in raue und zugleich verletzliche Klanglandschaften ein. Als vielseitiger Komponist, Songwriter und Multiinstrumentalist bewegt sich Maiti mit seiner Arbeit zwischen Alben, Filmkomposition, audiovisueller Forschung und experimentellen Projekten wie dem indischen Kollektiv EXCISE DEPT. Sein jüngstes Soloalbum Brute Fact/Home Truth ist ein sehr persönliches Werk, das elektronische Musik und Indierock verbindet. Maiti lebt und arbeitet in Mumbai
EN:
Rooted in solitude, Rounak Maiti’s music is written, recorded, and produced entirely by him – quiet invitations to listeners who find refuge in his rough-hewn and vulnerable soundscapes. A multi-faceted composer, songwriter, and multi-instrumentalist, Rounak's work spans across albums, film scores, audiovisual research, and celebrated collaborations, including with Indian collective EXCISE DEPT and LA-based Small Forward. His latest solo album, Brute Fact/Home Truth, released in July 2025, is a deeply personal document and a seismic evolution through electronic and rock music. He lives and works in Mumbai.
18:00 – 18:30
Bandcamp: https://rounakmaiti.bandcamp.com/album/brute-fact-home-truth
Instagram: https://www.instagram.com/rounakmaiti/
Rhythm of a Flower (Gandharva) (83 min)
An Animated Documentary about Pandit Kumar Gandharva
DE:
Rhythm of a Flower zeichnet das Leben und Schaffen des visionären klassischen Sängers Kumar Gandharva nach. Der Film zeigt seinen neuartigen Umgang mit der indischen Raga-Musik und seine radikalen Performances. Bereits in seiner Kindheit verlor er nach einer Krankheit eine Lunge – und erfand das Singen neu, indem er den Atem selbst zum musikalischen Material machte. Inspiriert von Volkstraditionen, spiritueller Poesie und Alltagsklängen prägte er die indische klassische Musik wie kaum jemand vor oder nach ihm. Diese nachdenkliche, animierte Filmbiografie verbindet Musik, Atem und Stille zu Formen des Erinnerns – an ein erfülltes Leben und die Fähigkeit zum Staunen.
EN:
Rhythm of a Flower traces the life and art of Hindustani classical vocalist Kumar Gandharva, a visionary known for his radically innovative approach to raga and performance. After losing a lung to illness early in life, he reinvented his singing so breath itself became musical material. He drew deeply from folk traditions, spiritual poetry, and everyday sound, reshaping Indian classical music with a voice like no one before or after him. A contemplative and experimental biography. In this film, music, breath, and silence become ways of remembering a life attuned to wonder.
18:30 – 19:50
Regie/Director: Amit Dutta – 83 min
Land/Jahr/Year IND 2024
Sprachen/Languages: Hindi, Marathi
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Animation Film, Bio Picture, Documentary
6-A Akash Ganga (80 min)
DE:
Ein berührender Film über die Musikerin Annapurna Devi, eine Meisterin der Surbahar – der Bass-Sitar. Sie lebte zurückgezogen, trat kaum je öffentlich auf und gehörte doch zu den einflussreichsten Persönlichkeiten der hindustanischen klassischen Musik. Gedreht in ihrer bescheidenen Wohnung in Mumbai, an der Adresse 6-A Akashganga, setzt dieser Film ihrer Geschichte ein stilles Denkmal. Aus Erzählungen ihrer Schüler*innen, aus Archivmaterial und aus den Räumen, die sie bewohnte, entsteht ein sensibles Porträt. Der Film zeigt ihre rigorose Lehrpraxis, ihre komplexe persönliche Geschichte und das Geheimnis ihrer Welt – eine Welt, die Schweigen und Abgeschiedenheit der Bühne vorzog, und dennoch Generationen prägte durch die Tiefe des Zuhörens und ihre kompromisslose Hingabe an die Musik.
EN:
6-A Akash Ganga is an intimate portrait of the legendary surbahar virtuoso Annapurna Devi, who spent most of her life withdrawn from the public stage yet remained one of Hindustani classical music’s most influential figures. Set largely within her modest Mumbai apartment at 6-A Akash Ganga, the film pieces together her story through students, archival fragments, and the quiet spaces she inhabited. It explores her rigorous teaching, her complex personal history, and the aura of mystery surrounding a musician who chose silence and seclusion over performance, yet shaped generations through her depth of listening and uncompromising devotion to music.
20:30 – 22:15
Regie/Director: Nirmal Chander – 80 min
Mit/Featuring Annapurna Devi, Nityanand Haldipur
Land/Jahr/Year IND 2023
Sprachen/Languages: Hindi
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Tradition, Place, Music Business, Bio Picture, Documentary
Block 5: Air, Land, Vibrations: Territories of Sound
Beschreibung
19:30 – 23:00: Zwei Filme + Q+A / Two Films + Q+A
DE:
Wind trägt keinen eigenen Klang in sich, wohl aber denjenigen anderer Dinge und Objekte. Ein poetischer Ansatz, den Aura Satz’ Kurzfilm Wind zum Ausgangspunkt nimmt. Kann Musik zum Sprachrohr einer Bewegung werden? Die Künstler*innen in Rebel Country lassen es vermuten. Sie nutzen den ursprünglich konservativen Sound als Gefäss, um schwarze, queere, lateinamerikanische und weiblich* gelesene Stimmen zu Gehör zu bringen und seine Zukunft neu zu vertonen. Sie erweitern damit unsere Vorstellung davon, was Country sein kann. Und was geschieht, wenn Angst in der Luft liegt? Diary of a Sky hört hin, wie der Himmel über dem Libanon militarisiert wird. Der Film zeigt eindrücklich, dass sich Veränderungen in dieser Welt oftmals zuerst am Himmel abzeichnen, bevor sie am Boden spürbar werden.
EN:
Wind itself has no sound – it carries others. Wind takes this as its poetic premise; can music work the same way? The artists in Rebel Country suggest so, as Black, queer, Latino, and female artists use a traditionally conservative style as a vessel for their voices, shaping its future, and expanding the notion of what country music can convey. And then, what if the air carries fear instead? Diary of a Sky listens to militarized Lebanese skies, reminding us that the world often shifts in the air before change reaches the ground.
Wind (12 min)
DE:
Dieser atmosphärische Kurzfilm lädt uns in eine ungehörte Welt ein. Wind spürt subtilen Kräften nach, die wir sonst kaum je wahrnehmen: Luft und Bewegung werden zu einer lebendigen Präsenz und der Wind zum elementaren Erzähler, der über Landschaften, Körper und Erinnerungen hinwegfegt.
EN:
This atmospheric short film invites us into a world shaped by air, motion, and subtle forces we rarely notice. Wind becomes a living presence – an elemental narrator that brushes across landscapes, bodies, and memory.
19:30 – 19:45
Regie/Director: AGF aka poemproducer – 12 min
Land/Country/Jahr/Year FIN 2025
Sprachen/Languages: English
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Soundscape, Experience, Nature, Documentary, LGBTQIA+ & African American Histories
Rebel Country (75 min)
DE:
Wer sind die wahren Pionier*innen der Country-Musik? Seit einigen Jahren erheben Schwarze, queere, lateinamerikanische und weibliche* Menschen ihre Stimme und fordern die von weissen Männer dominierte Szene heraus. In Rebel Country blicken sie auf rassistische Vorurteile und politische Meilensteine in Nashville zurück, der Wiege des Genres. Der Dokumentarfilm beleuchtet die umstrittenen Wurzeln des Country und die Künstler*innen, die seine Zukunft bauen.
EN:
Who are the true pioneers of country music? Black, queer, Latino, and female* musicians, alongside insiders, have a history of speaking out and challenging the white/male-dominated gatekeepers of the scene. Rebel Country confronts racial bias and political milestones of the genre. This documentary offers a compelling look at country music’s contested roots and the artists expanding its future.
19:45 – 21:00
Regie/Director: Francis Whately – 75 min
Mit/Featuring: Blanco Brown, Jelly Roll, Breland, Lainey Wilson, Sam Williams, Lindsay Ell
Land/Country/Jahr/Year: USA 2024
Sprachen/Languages: English
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Music Business, Queer, Protest, #Countrymusic
The Diary of a Sky (44 min)
DE:
Was passiert mit einem Körper, einer Stadt, wenn Krieg nicht auf den Boden fällt, sondern darüber schwebt? Dieser Essayfilm hört in den Himmel über Beirut, beobachtet die Militarisierung des Luftraums und untersucht die psychologischen Folgen akustischer Kriegsführung. The Diary of the Sky spiegelt vergangene Zeitzeugnisse und die aktuelle Situation nach dem 7. Oktober 2023 und zeigt den Himmel als Schlachtfeld – wo Überwachung und Bedrohung stets vibrieren und Stille manchmal am lautesten schreit.
EN:
What scars do ear-piercing military flights and the hums of generators during blackouts leave on those forced to live with this noise? This essay film uses the sky over Lebanon as a lens to examine the militarization of airspace and the psychological toll of sonic warfare. The Diary of the Sky moves between historical traces and the present moment after October 7, 2023, revealing the sky as a battlefield, where surveillance hums, threats never cease, and silence sometimes screams the loudest.
21:30 – 22:45
Regie/Director: Lawrence Abu Hamdan – 44 min
Land/Country/Jahr/Year: LEB 2024
Sprachen/Languages: Arabisch/ Arabic
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: War, Soundscape, Violence, Perception, Sonic Testimony, Sonic Warfare
Block 6: Soft Bodies, Hard Words: Poetry in Times of Crisis (Chapter 2)
Beschreibung
Chapter 2: Words for the Future: A Sonic Fiction Night
21:30 - 02:00: Poetry und Live Music
DE:
Poesie lässt Wörter vibrieren, verzerren, in Echos auftauchen und neue Rhythmen entstehen. Was wäre, wenn Poesie die Zukunft hörbar machen könnte, noch bevor sie geschieht? Diese Nacht mit Poesie- und Sound-Performances hört diesen Momenten zu – in denen das Alltägliche fremd wird und das Persönliche plötzlich politisch. Eine Nacht kollektiver Sonic Fiction – in der Poesie die Zukunft probt und das Kommende darauf antwortet. Wir freuen uns auf einen Abend in intimer Atmosphäre mit der Dichterin und Aktivistin Stella Nyanzi (Uganda), der Dichter*in und Künstler*in Ezzo Scourti (Athen/London), der Performance-Künstlerin Hilde Wollenstein aka freeversion (Berlin/Rotterdam) und der Dichter*in und LGBTQ+-Aktivist*in Logan February (Nigeria) – gemeinsam mit den Klangkünstler*innen bloop, Alienationist, nithin shams und weiteren.
EN:
Poetry makes words hum, distort, echo, and find rhythm in the air. What if poetry could make futures audible before they happen? This night of poetry and sound performances listens for those moments, where the mundane turns strange, where the personal suddenly becomes political. A night of collective sonic fiction, where poetry rehearses the future, and the future answers back. An intimate night of deep listening with poet and activist Stella Nyanzi (Uganda), poet and artist Ezzo Scourti (Athens/London), performance artist Hilde Wollenstein (Berlin/Rotterdam), and poet and LGBTQ voice Logan February (Nigeria). They will be joined by sound artists and musicians, bloop, Alienationist, nithin shams, and others.
TICKETS!
Das Ticket Block 6 gilt für den ganzen Tag und Abend im Lunaire – also auch für Block 3.
The Block 6 ticket is valid for the entire day and evening at Lunaire – including Block 3.
Chapter 2: Logan February
DE:
Logan February schreibt zwischen Herkunft und Zukunft, Körper und Mythos. Als queerer Poet*in, sagte die nigerianische Autor*in in einem Interview, habe die sich von den Werten des Kolonialismus befreit und lasse sich heute von vorkolonialen Formen des Wissens und Seins inspirieren. Aus Yoruba-Traditionen, queerer Sehnsucht und der unerschöpflichen Fülle des Alltags schöpfend, bewegen sich Februarys Gedichte wie Geister – intim, ekstatisch und furchtlos.
EN:
Logan February writes at the crossroads – between ancestry and the future, body and myth. A queer poet forged in outsiderhood, the Nigerian poet has said that living outside the colonial frame freed them from its values and turned them back toward pre-colonial ways of knowing and being. Drawing from Yoruba traditions, queer longing, and the soft voltages of love and memory, their poems move like spirits – intimate, ecstatic, and unafraid.
Chapter 2: Stella Nyanzi
DE:
Die Poetin und Aktivistin Stella Nyanzi nutzt Sprache als Waffe gegen Machtstrukturen. In ihrer Heimat Uganda wurde sie inhaftiert, weil sie den Präsidenten offen kritisierte. Heute setzt sie ihren Kampf aus dem Exil in Berlin fort. Ihre Poesie macht, was die Mächtigen am meisten fürchten: Sie lacht und setzt ihnen zu, indem sie standhaft bleibt und unbeugsam weitermacht. Ihr neuestes Buch Exiled for My Mouth: Poems from across Borders ist ein absolutes Muss.
EN:
Poet and activist Stella Nyanzi wields language like a weapon against power. Jailed in her homeland, Uganda, for calling out the president, she now continues the fight from her exile in Berlin. Her poetry does what power hates most: it laughs, it injures, it refuses to kneel. Her latest book Exiled for My Mouth: Poems from across Borders is a must-read.
Chapter 2: Ezzo Scourti
DE:
Ezzo Scourti schreibt aus dem Inneren des Feeds – wo Gefühle zu Daten werden, Tagebücher ihre Ränder verlieren und Identitäten neue Formen finden. Die Arbeiten der Poet*in und Künstler*in wurden u.a. auf der High Line in New York, beim Serendipity Festival in Hongkong oder in der Athen Biennale ausgestellt. Zwischen London und Athen pendelnd, entzieht sich Scourti jeder glatten Oberfläche, jeder endgültigen Benennung. Ihre Bücher – darunter No to Self (Veer, 2023) und As the Non-World Falls Away (TEXTZ, 2024) – öffnen Fenster in Zonen, in denen das Persönliche und das Technologische miteinander flirten.
EN:
Ezzo Scourti writes from inside the feed, where feelings become data, diaries are networked, and selves remix under pressure. They have exhibited internationally, including at High Line New York, SerendiCity Festival, in Hong Kong, and at the Athens Biennale, among others. Living between London and Athens, their work merges voice, intimacy, and identity, refusing smoothness, refusing extraction. Their solo publications include No to Self (Veer, 2023) and As the Non-World Falls Away (TEXTZ, 2024).
Chapter 2: Hilde Wollenstein
DE:
Hilde Wollenstein bewegt sich künstlerisch zwischen Poesie, Performance und elektronischer Musik. Ihre Spoken-Word-Performances klingen wie Botschaften aus einer Welt, die wir nur schemenhaft erahnen: Teils sind sie Glitch-Mantras, teils sanfter Aufstand gegen binäre Vereinfachungen. Als Künstlerin, die soeben ihren Master in Sonologie am Royal Conservatory in Den Haag abgeschlossen hat, ist sie bereit für eine Epoche, die von Störsignalen und schmelzender Zärtlichkeit geprägt ist.
EN:
Working between poetry, performance, and electronic music, Hilde Wollenstein’s practice moves through glitch, desire, and digital ghosts. Her spoken word music performances sound like messages from a world we half remember but haven't lived yet: part glitch-spell, part soft riot against clean binaries. Having recently finished a Master's in Sonology at the Royal Conservatory of The Hague, she is a poet for an era of broken signals and burning tenderness.
Block 7: RAISING VOICES: ART, PROTEST, AND DEMOCRACY
Beschreibung
DE:
Was sind Potenziale, Grenzen und Erfahrungen von Protest und künstlerischem Aktivismus heute? Wir erleben derzeit tiefgreifende Umbrüche – politisch, technologisch, gesellschaftlich. Wissenschaft, Kultur und Journalismus geraten zunehmend ins Abseits: Förderungen und finanzielle Mittel schwinden, Debatten werden rauer, Releases und Publikationen verlieren an Reichweite. Wie können in Zeiten dieser Orientierungslosigkeit Stimmen gehört werden, die für Kultur, Vielfalt, Differenziertheit und Menschlichkeit einstehen? Im Polit-Forum Bern diskutieren Emma Nzioka aka Coco Em (Pass Pass, Nairobi), Stella Nyanzi (Autorin/Aktivistin, Berlin/Masaka), Laurence Desarzens (Genf), Julien Fehlmann (Irma + Artas Foundation, Genf) und weitere Gäste darüber, wie und ob künstlerische Praktiken weiterhin Widerstand leisten und Veränderungen anstossen können. Moderation: Thomas Burkhalter (Direktor Norient und Norient Festival).
Anmeldung erwünscht via https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfjiePpay49-ZBpix4oZ5l7hVLCKIL38DFvnuuaqsv8aUY9_Q/viewform
Lesetipp: Stella Nyanzi Exiled for My Mouth: Poems from across Borders
EN:
What are the potentials, limits, and experiences of protest and artistic activism today?
Academic research, culture, and journalism are increasingly being sidelined: funding and financial resources are dwindling, debates are becoming harsher, and releases and publications are losing their reach. In times of such disorientation, how can voices that stand up for culture, diversity, nuance, and humanity be heard? At the Polit-Forum, Emma Nzioka aka Coco Em (Pass Pass, Nairobi), Stella Nyanzi (author, activist Masaka, Uganda), Laurence Desarzens (Geneva), and Julien Fehlmann (Irma + Artas Foundation, Geneva), and other guests will discuss how and whether artistic practices can continue to resist and initiate change. Moderator: Thomas Burkhalter (Director of Norient and the Norient Festival).
Please register via https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfjiePpay49-ZBpix4oZ5l7hVLCKIL38DFvnuuaqsv8aUY9_Q/viewform
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Emma Mbeke Nzioka
DE:
Emma Mbeke Nzioka ist multidisziplinäre Künstlerin, DJ, Musikproduzentin und Aktivistin aus Nairobi, Kenia. 2021 wurde sie als Filmemacherin und Fotografin mit dem Cinematographer of the Year Award und Director of Photography im preisgekrönten Dokumentarfilm No Simple Way Home (2022) ausgezeichnet. Emma ist auch Aktivistin und Vermittlerin: Sie ist Gründerin von «Pass Pass», einer Initiative, die sich für Reisefreiheit und Empowerment von afrikanischen Künstler*innen einsetzt und globale Kooperationen ermöglicht. Sie ist auch für Sim Sima und als DJ Coco Em aktiv und war künstlerische Leiterin des 13. Norient Festivals im Jahr 2024.
EN:
Emma Mbeke Nzioka is a multifaceted artist based in Nairobi, Kenya. She is winner of the Cinematographer of the Year 2021 WIFA (Women in Film Award), and is the primary director of photography (DOP) for the award-winning feature documentary No Simple Way Home (2022). An activist and educator, Emma is the founder of Pass Pass, an initiative dedicated to empowering African artists, promoting free movement, global collaboration, and sustainable livelihoods, with a focus on restoring dignity to cultural practitioners. Emma works for Sim Sima and is a DJ and producer under the name Coco Em. Nzioka was the artistic director of the 13. Norient Festival in 2024.
Thomas Burkhalter
DE:
Thomas Burkhalter ist Anthropologe, multidisziplinärer Künstler und Autor aus Bern, Schweiz. Er ist Gründer und Direktor von Norient und dem Norient Festival. Derzeit konzentriert er sich auf sein neues Musik-/AV-Duo Melodies In My Head. Er ist Autor und Mitherausgeber mehrerer Bücher, darunter The Arab Avant Garde: Musical Innovation in the Middle East.
EN:
Thomas Burkhalter is an anthropologist, multidisciplinary artist, and writer from Bern, Switzerland. He is the founder and director of Norient and the Norient Festival. Currently, his focus lies on his new music/AV duo, Melodies In My Head. He is the author and co-editor of several books, such as The Arab Avant Garde: Musical Innovation in the Middle East.
Stella Nyanzi
DE:
Die Poetin und Aktivistin Stella Nyanzi nutzt Sprache als Waffe gegen Machtstrukturen. In ihrer Heimat Uganda wurde sie inhaftiert, weil sie den Präsidenten offen kritisierte. Heute setzt sie ihren Kampf aus dem Exil in Berlin fort. Ihre Poesie macht, was die Mächtigen am meisten fürchten: Sie lacht und setzt ihnen zu, indem sie standhaft bleibt und unbeugsam weitermacht. Ihr neuestes Buch Exiled for My Mouth: Poems from across Borders ist ein absolutes Muss.
EN:
Poet and activist Stella Nyanzi wields language like a weapon against power. Jailed in her homeland, Uganda, for calling out the president, she now continues the fight from her exile in Berlin. Her poetry does what power hates most: it laughs, it injures, it refuses to kneel. Her latest book Exiled for My Mouth: Poems from across Borders is a must-read.
Julien Fehlmann
DE:
Julien Fehlmann ist Direktor der Schweizer NGO IRMA (irma.ac), die einen positiven sozialen Wandel über Musik erreichen will. Nach einer ersten Karriere als Sounddesigner und Musikproduzent (er gründete das Studio Mécanique 2005) studierte er Internationale Beziehungen und Entwicklungszusammenarbeit (LSE, Geneva Graduate Institute). Heute kombiniert er seine beiden Wirkungsfelder.
EN:
Julien Fehlmann is the director of the Swiss NGO IRMA (www.irma.ac) which mobilizes music for positive social change. Following his first career as an audio engineer and music producer (he founded Studio Mécanique in 2005), he studied International Relations and Development (LSE, Geneva Graduate Institute), and now combines these fields in his work.
Laurence Desarzens
DE:
Laurence Desarzens ist seit mehr als 30 Jahren in der Schweizer Musikszene aktiv und begeistert sich für musikalische und künstlerische Strömungen jenseits des Mainstreams. Aus der Punk- und DIY-Bewegung kommend, programmierte sie wegweisende Veranstaltungsorte in Lausanne und Genf sowie die Rote Fabrik in Zürich und die Kaserne in Basel. Bereits in den 1990er-Jahren nutzte sie digitale Technologien, um kulturelle Netzwerke aufzubauen. Heute ist sie politisch engagiert und setzt sich innerhalb des BEAM Network für den unabhängigen Kulturbereich und das aktuelle Musikschaffen ein.
EN:
Cosmopolitan and active for over 30 years in the Swiss music scene, Laurence Desarzens is passionate about musical and artistic countercurrents. Emerging from the punk and DIY movement, she programmed pioneering venues in Lausanne and Geneva, as well as the Rote Fabrik in Zurich and the Kaserne in Basel. In the 1990s, she was a trailblazer in using digital technologies to connect and co-create cultural networks. Today, she remains politically engaged, advocating for independent culture and contemporary music within the BEAM Network.
Block 8: Embodied Resonances
Beschreibung
15:30 – 18:30: Drei Filme + Q+A / Three Films + Q+A
DE:
Dieser Block befasst sich mit Klang durch den Körper – in Atem, Nerven, Instinkt und Erinnerung. Es geht um diejenigen, die die Welt nicht nur hören, sondern auch spüren, wo Stille sich verdichtet, Wahrnehmung sich verzerrt und Musik zu einem Mittel wird, um präsent und verbunden zu bleiben. Während sich der kurze Dokumentarfilm Territórios auf Spannungen und leise Erschütterungen zwischen Körpern und Orten konzentriert, folgt A Stranger in the World der Wahrnehmung in Bewegung durch die Sinneswelt eines autistischen Kindes und eines Elternteils, die gemeinsam lernen, anders zuzuhören. Monk in Pieces taucht in Meredith Monks lebenslange Praxis von Stimme, Atem und Hingabe ein – Klang als Disziplin, Experiment und Lebenskraft. Hier ist Zuhören nicht nur Theorie – es ist ein Gefühl der Praxis, wie man sich bewegt, zurechtkommt und Bedeutung schafft.
EN:
This block looks at sound through the body – in breath, nerves, instinct, and memory. It’s about those who don’t just hear the world, but thoroughly sense it, where silence tightens, perception bends, and music becomes a way to stay present and connected. While the short documentary Territórios tunes into tension and quiet tremors between bodies and place, A Stranger in the World follows perception-in-motion through the sensory world of an autistic child and a parent learning to listen differently, together. Monk in Pieces dives into Meredith Monk’s lifelong practice of voice, breath, and devotion – sound as discipline, experiment, and life force. Here, listening isn’t merely theory, it’s a sense of practice, of how you move, cope, and make meaning.
Territórios (19 min)
DE:
Dieser Kurzfilm untersucht das Zusammenspiel von Raum, Vibration und Präsenz. Angesiedelt in den charakteristischen Korkwäldern Portugals entsteht Spannung durch Stille, in der jedes Klangdetail die Wahrnehmung schärft. Durch subtile Übergänge zwischen menschlichen und tierischen Gesten entsteht eine Spannung, die zugleich intim und abstrakt, innerlich und umgebend wirkt.
EN:
This short documentary offers a quietly magnetic study of space, vibration, and presence. Situated in the characteristic montados, the cork-oak forests in Southern Portugal, here, silence becomes charged and every sonic detail sharpens perception. Through subtle shifts between human and animal gestures, the film creates a tension that feels at once intimate and abstract, internal and environmental.
15:30 – 16:20
Regie/Director: Siddharth Govindan – 19 min
Land/Country/Jahr/Year: POR 2023
Sprachen/Languages: Ohne Worte/Without Words
Themen/Topics: Nature, Perception, Listening
A Stranger in the World (30 min)
DE:
A Stranger in the World ist eine feinfühlige und visuell eindrückliche Meditation darüber, wie Klang wahrgenommen wird. Durch die Augen seines autistischen Sohnes untersucht der Filmemacher Sturla Pilskog, wie wir uns mit der Welt, die uns umgibt, verbinden und abgrenzen und dabei versuchen, sie zu verstehen. Philosophisch und zugleich intim, verwischen im Film die Grenzen zwischen Klang, Fürsorge und Sinneswahrnehmung.
EN:
A Stranger in the World is a sensitive and visually striking meditation on perception and sound. Through the lens of his autistic son, filmmaker Sturla Pilskog explores how we sense and separate ourselves from the world we seek to understand. Blending philosophy and intimacy, the film is a thought-provoking work on the edges of sound, care, and perception.
Regie/Director: Sturla Pilskog – 30 min
Land/Country/Jahr/Year: NOR 2025
Sprachen/Languages: Norwegian
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Perception, Experience, Sound, Listening
Monk in Pieces (94 min)
DE:
Ein intimer Einblick in das künstlerische Universum von Meredith Monk – legendäre Komponistin, Sängerin und Choreografin. Sie startete ihre Karriere als Teil der bahnbrechenden New Yorker Downtown-Szene und inspirierte u.a. Künstler*innen wie Björk oder David Byrne, Frontsänger der New Wave-Band Talking Heads. Das filmische Porträt zeichnet nach, wie Monk jahrzehntelang mit Atemtechniken, ihrer Stimme und Bewegung experimentierte und mit Stille, Gestik und Hingabe ganze Welten erschuf. Für ihr radikales Lebenswerk u.a. den Goldenen Löwen der Musik-Biennale in Venedig.
EN:
An intimate deep dive into the life of legendary composer, vocalist, and choreographer Meredith Monk. Starting as part of New York’s groundbreaking Downtown scene and influential to artists such as Björk and David Byrne, the lead singer of the new wave band Talking Heads. This feature-length biopic traces her decades of radical experimentation with breath, voice, and movement, revealing an artist who listens beyond convention and creates worlds from silence, gesture, and devotion. For her exceptional practice, she received a Golden Lion at the Venice Music Biennale.
16:30 – 18:30
Regie/Director: Billy Shebar – 94 min
Mit/Featuring: Meredith Monk, Björk, David Byrne (Talking Heads and more)
Land/Country/Jahr/Year: USA DE FR 2025
Sprachen/Languages: English
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Music Business, Counterculture, Tradition
Block 9: Norient at Dachstock: Ego Death
Beschreibung
Yodeling, Strings, Dance, Poetry, Noise, Club
DE:
In einer Zeit, in der die Welt zu zerfallen scheint und wir uns immer tiefer in kleine Blasen zurückziehen, öffnet das 14. Norient Festival im Dachstock der Reitschule für zehn Stunden neue Horizonte. Musik trifft Performance, Tanz begegnet Club, Dichtkunst verschmilzt mit Noise. Lass dich ein auf die längste Nacht in der Geschichte unseres Festivals. Norient at Dachstock: Ego Death.
Headliner ist das gleichnamige Duo Ego Death, bestehend aus dem Electronica-Pionier Niamké Désiré alias Aho Ssan und der Ausnahme-Cellistin Karolina Rec alias Resina. Der Jodlerklub Lorraine-Breitenrain, seit 120 Jahren aktiv, tritt ebenso auf, wie das Arola Streichquartett - in Zusammenarbeit mit dem playtime Festival der Hochschule der Künste Bern. Die palästinensische Sängerin und Oud-Spielerin Kamilya Jubran (Aga Khan Music Award 2025) und der Berner Musiker Werner Hasler (Kantonaler Musikpreis 2025) tauchen in einen intensiven musikalischen Dialog ein – die seit 20 Jahren zusammenarbeiten. Die Tänzerin Romane Ruggiero (ehemals Bühnen Bern) tanzt solo in der Mitte des Raums zu einem brandneuen Set von Melodies In My Head, dem Projekt von Norient-Gründer Thomas Burkhalter und Daniel Jakob. Das südasiatische Künstler*innen-Kollektiv SOORIYAN reflektiert über diasporische Identitäten und die Schweizer Migrationsgeschichte. Logan February, nigerianische*r Poet, pendelt zwischen Herkunft und Zukunft und sucht Worte jenseits kolonialer Strukturen. Hilde Wollenstein überschreitet Grenzen zwischen Lyrik, Performance, elektronischer Musik, Glitch, Sehnsucht und digitalen Geistern. Danach folgen Live- und DJ-Sets von Ruhail Qaisar, Aleyna Günay alias ALY-X, NÂR, Parco Palaz, Ed Lalo und KruškaTv (präsentiert von Axapgula).
Musik und Kultur sind kein Luxus. Sie sind die Seele unserer Gesellschaft. Sie zeigen, wohin sich unsere Welt bewegt – wohin sie sich bewegen kann. Und wohin sie sich nicht bewegen darf.
Kuratiert von Erna Kuduzovic (Zürich), Thomas Burkhalter (Bern), Suvani Suri (Delhi), Philipp Rhensius (Berlin) und Claudia Popovici (Zürich)
EN:
In a time when the world seems to be falling apart and we are retreating deeper into our small bubbles, the 14. Norient Festival opens new horizons for ten hours. Music meets performance, dance encounters club, and poetry merges with noise. Join us for the longest night in the history of our festival. Norient at Dachstock: Ego Death.
The headliner is the eponymous duo Ego Death, consisting of visionary electronic artist Niamké Désiré aka Aho Ssan and the extraordinary cellist Resina. The Lorraine-Breitenrain Yodeling Club, active for 120 years, meets the Arola string quartet - in collaboration with the playtime Festival of the Bern University of the Arts (HKB). Kamilya Jubran, award-winning singer and oud player from Palestine (Aga Khan Music Award 2025), and Bernese musician Werner Hasler (Cantonal Music Prize 2025) will immerse themselves in an intense musical dialogue – 20 years of collaboration at its peak. Romane Ruggiero, formerly of Bühnen Bern, performs solo in the center of the space to a new set from Melodies In My Head, a project by Norient founder Thomas Burkhalter and Daniel Jakob. The collective SOORIYAN (Tamil for «Sun») reflects on diasporic identities and Swiss migration history. Nigerian poet Logan February navigates between heritage and future, searching for words beyond colonial structures. Hilde Wollenstein crosses boundaries between poetry, performance, electronic music, glitch, longing, and digital ghosts. Following are live and DJ sets by Ruhail Qaisar, Aleyna Günay alias ALY-X, NÂR, Parco Palaz, Ed Lalo, and KruškaTv (presented by aXapGuLa).
Music and culture are not a luxury. They are the soul of our society. They show where our world is heading, where it can go, and where it must not.
Curated by Erna Kuduzovic (Zurich), Thomas Burkhalter (Bern), Suvani Suri (Delhi), Philipp Rhensius (Berlin), and Claudia Popovici (Zurich)
SOORIYAN (17:00 – 18:00)
DE:
SOORIYAN (Aussprache S-uu-ri-en, «Sonne» auf Tamil) ist ein südasiatisches Künstler*innenkollektiv, die sich in verschiedenen Subkulturen der Schweiz bewegen. Das Kollektiv feiert und stärkt die Vielfalt südasiatischer Kreativität, indem es die Darstellung und Wahrnehmung diasporischer Identitäten neu definiert und zugleich über die Migrationsgeschichten der Schweiz nachdenkt.
EN:
SOORIYAN (S-uu-ri-en, «Sun» in Tamil) is a collective formed by South Asian artists navigating subcultures in Switzerland. SOORIYAN aims to empower and celebrate the diversity of South Asian creativity by reclaiming how diasporic identities are portrayed and understood, while reflecting on Switzerland’s own migration histories.
Hilde Wollenstein (18:00 – 18:30)
DE:
Hilde Wollenstein bewegt sich künstlerisch zwischen Poesie, Performance und elektronischer Musik. Ihre Spoken-Word-Performances klingen wie Botschaften aus einer Welt, die wir nur schemenhaft erahnen: Teils sind sie Glitch-Mantras, teils sanfter Aufstand gegen binäre Vereinfachungen. Als Künstlerin, die soeben ihren Master in Sonologie am Royal Conservatory in Den Haag abgeschlossen hat, ist sie bereit für eine Epoche, die von Störsignalen und schmelzender Zärtlichkeit geprägt ist.
EN:
Working between poetry, performance, and electronic music, Hilde Wollenstein’s practice moves through glitch, desire, and digital ghosts. Her spoken word music performances sound like messages from a world we half remember but haven't lived yet: part glitch-spell, part soft riot against clean binaries. Having recently finished a Master's in Sonology at the Royal Conservatory of The Hague, she is a poet for an era of broken signals and burning tenderness.
Arola Quartet (18:30 – 19:00)
DE:
Das Arola-Quartet ist ein 2024 gegründetes Ensemble, das sich kammermusikalische Werke spezialisiert hat. Nach Auftritten in Bern und weiteren Städten sowie an der Fête de la musique in Genf wollen Samuel Hirsch (1. Violine, Alla Ternova (2. Violine), Viktoria Vanteeva (Viola) und Zoia Sudnis (Cello) nun internationale Bühnen und Festivals bespielen. Ausserdem arbeiten die vier Musiker*innen an ihrem Debütalbum und erweitern ihr Repertoire in der Zusammenarbeit mit anderen Musiker*innen und Komponist*innen. Fürs Norient Festival spielen sie das Streichquartett Nr. 2 «Intime Briefe» von Leoš Janáček.
In Zusammenarbeit mit dem HKB-Musikfestival «Playtime».
EN:
The Arola Quartet is an ensemble founded in 2024 that specializes in chamber music works. After performances in Bern and other cities, as well as at the Fête de la musique in Geneva, Samuel Hirsch (first violin), Alla Ternova (second violin), Viktoria Vanteeva (viola), and Zoia Sudnis (cello) now want to perform on international stages and at festivals. The four musicians are also working on their debut album and expanding their repertoire in collaboration with other musicians and composers. For the Norient Festival, they will perform Leoš Janáček's String Quartet No. 2, “Intimate Letters.”
In collaboration with the HKB music festival “Playtime.”
ALY-X (19.00 – 19:30)
DE:
ALY-X ist das Soloprojekt der Künstlerin Aleyna Günay. Ihr Sound bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Powernoise und Splittercore, verkörpert emotionale Extreme und kontrollierte Gewalt. Sie erschafft chaotische, vielschichtige Strukturen, die ihr dystopisches Alter Ego durch rätselhafte klangliche Texturen zum Leben erwecken. Seit sie das Projekt 2018 in Paris lancierte, trat ALY-X an Festivals und Orten auf wie dem LUFF, Cave12, Palace und Karmen Camina und anderen Spielstätten in der Schweiz und Europa.
EN:
ALY-X is the solo moniker of artist Aleyna Günay. Her sound spans the spectrum between powernoise and splitter core, embodying extreme emotion and controlled violence. She forges chaotic, layered structures that bring her dystopian alter-ego to life through enigmatic tonal textures. Since unveiling the ALY-X project in Paris in 2018, she has performed at festivals and venues such as LUFF, Cave12, Palace, and Karmen Camina, among others, across Switzerland and Europe.
Romane Ruggiero feat. Melodies In My Head (19:30 – 20:00)
DE:
Romane Ruggiero ist freischaffende Tänzerin und lebt derzeit in Bern. Sie schloss 2020 ihr Studium an der Codarts University for the Arts ab (Rotterdam, NL) und tanzte in horeografien von Sharon Eyal, Hofesh Shechter, Marco Geocke, Felix Landerer, Adonis Foniadakis und Mari Chouinard, um nur einige zu nennen. Im Jahr 2025 erhielt sie Unterstützung von der Stadt Bern, dem Kanton Bern, der Burgergemeinde Bern, der Dampfzentrale Bern und dem Teatre Nu, um ihren eigenen Tanzfilm zu produzieren. Er wurde an verschiedenen Orten in der Schweiz gezeigt. Im Jahr 2024 choreografierte sie das Solostück «I felt that», das sie an verschiedenen Orten in Europa aufführte.
https://www.instagram.com/perhapsromane/
Melodies In My Head arbeitete mit der Tänzerin Romane Ruggiero an ihrer neuesten Single «If You Down» und «When Mountains Break Free». Das Duo besteht aus dem Anthropologen und audiovisuellen Performer Thomas Burkhalter (Gründer von Norient) und dem Musiker/Produzenten Daniel Jakob (Dubokaj, Dejot, Filewile). Gemeinsam tauchen sie ein in die gelebten und imaginären Erfahrungen von Künstler*innen aus Afrika, Asien, dem Nahen Osten, Europa und der Schweiz. Einige Texte stammen aus 15 Jahren ethnografischer Interviews, andere werden von fiktiven Figuren gesprochen. Ihr Debütalbum Joy Anger Doubt wurde von Christoffer Berg (Depeche Mode, Fever Ray) gemischt.
https://www.melodiesinmyhead.com/
EN:
Romane Ruggiero is a freelance dancer, currently based in Bern. She graduated from Codarts University for the Arts (Rotterdam, NL) in 2020 and has danced in choreographies by Sharon Eyal, Hofesh Shechter, Marco Geocke, Felix Landerer, Adonis Foniadakis, and Mari Chouinard, among others. In 2025, she received support from Stadt Bern, Kanton Bern, Burgergemeinde Bern, Dampfzentrale Bern, and Teatre Nu to produce her own dance movie, which has been broadcast in various venues around Switzerland. In 2024, she choreographed «I felt that», a solo piece she performed at various venues in Europe.
https://www.instagram.com/perhapsromane/
Melodies In My Head worked with dancer Romane Ruggiero on their latest single, «If You Down», and «When Mountains Break Free». The duo consists of anthropologist and audiovisual performer Thomas Burkhalter (founder of Norient) and musician/producer Daniel Jakob (Dubokaj, Dejot, Filewile). Together, they dive into the lived and imagined experiences of artists from Africa, Asia, the Middle East, Europe, and Switzerland. Some lyrics are drawn from 15 years of ethnographic interviews; others are voiced by fictional characters. Their debut album Joy Anger Doubt was mixed by Christoffer Berg (Depeche Mode, Fever Ray).
https://www.melodiesinmyhead.com/
Ruhail Qaisar (20:00 – 20:30)
DE:
Ruhail Qaisar ist ein Künstler aus Leh, Ladakh. Mit seinen künstlerischen Aktivitäten erforscht er Erinnerung, Mythos und Poesie durch Sound Art, Kompositionen und zu gefundenen Objekten. Seit 2015 beschäftigt er sich mit genre übergreifenden Projekten. Sein Konzeptalbum Fatima (2023) – vom Musikmagazin The Quietus als „aufrüttelnd“ beschrieben – erschien beim Schweizer Label Danse Noire und enthält Beiträge von Dis Fig und Elvin Brandhi sowie einen 48-seitigen Fotoband. Qaisar präsentierte seine Arbeiten unter anderem in der Kunsthalle Zürich, bei Salts City Basel, in der Gessnerallee und bei Toxi.
EN:
Ruhail Qaisar is an artist from Leh, Ladakh. His current practice revolves around examining threads of local memory, mythos, and poetics through sound art, compositions, and found objects. Involved in various cross-genre projects since 2015, he debuted his concept album Fatima (2023), called "haunting" by The Quietus, on Swiss label Danse Noire. Featuring Dis Fig and Elvin Brandhi, it includes a 48-page photo book. He has performed and shown his work at the Zurich Kunsthalle, Salts City Basel, Gesnerallee, and Toxi.
NÂR (20:30 – 21:00)
DE:
NÂR ist eine libanesische Multi-Instrumentalistin und Sängerin aus Beirut. Sie erfindet sich laufend neu, experimentiert mit verschiedenen Instrumenten, ihrer Stimme und Alltagsgegenständen. NÂRs Performances sind Klangexperimente, die von so verschiedenen Musiktraditionen wie Trance, Industrial und elektronischer Musik aus dem mittleren Osten und Nordafrika inspiriert sind. 2022 schuf sie die Zeitmaschine, ein handgearbeitetes Instrument aus alten Uhren, Klingeln und anderen Gegenständen aus Metall, die uns am Norient Festival unmittelbar in eine neue Dimension katapultieren wird. Eine aufregende Reise ins Ungewisse.
EN:
NÂR is a Lebanese multi-instrumentalist and singer based in Beirut. In a constant metamorphosis, she works with various instruments, her voice, and different found objects. NÂR’s performances are sonic experiments. Her music is rooted in a diverse spectrum of sounds, including Middle Eastern and North African trance, and industrial and electronic music. In 2022, she created her Time Machine, a handcrafted instrument composed of old clocks, bells, and other metallic objects, giving birth to a new dimension in her practice and allowing more rawness into her sound. NÂR is never a project; it’s a reflective journey, a succession of sacred mistakes, and a cult to the unknown.
Kamilya Jubran and Werner Hasler (21:00 –21:45)
DE:
Nach ihrer langen Karriere als Leadsängerin und Qanoun-Spielerin der palästinensischen Gruppe Sabreen zog Kamilya Jubran 2002 nach Europa. Sie setzte ihre Suche nach einem originellen musikalischen Ausdruck für Gesang und Oud fort und erkundete gleichzeitig neue Räume für ihre Kompositionen und Texte durch verschiedene Projekte, die sie initiierte und an denen sie beteiligt war. Werner Hasler und Sarah Murcia wurden ihre wichtigsten musikalischen Partner. Sie ist künstlerische Leiterin und Mitbegründerin der Zamkana Association, die originelle, innovative künstlerische Projekte begleitet und sich für Meinungsfreiheit und Säkularismus einsetzt. 2025 wurde sie mit einem Aga Khan Music Award ausgezeichnet.
http://www.kamilyajubran.com/
Werner Hasler (Musikpreis Kanton Bern 2025) ist Komponist, Elektronikmusiker und Trompeter, der sich auf Live-Sampling und Klangverräumlichung konzentriert. Neben seiner langjährigen Zusammenarbeit mit Kamilya Jubran arbeitet er an seiner OUT-Reihe, die aus verschiedenen Kollaborationen und Hybriden aus Ausstellung/Installation und Live-Performance besteht. Werner Hasler arbeitet und tritt derzeit mit Stefan Schultze als Boussole Animale, mit Jim Black als Discontinued Rhythm und mit Hardi Kurda als Augmented Reality Orchestra auf. Auwwerdem hält er Vorlesungen über Elektronik und Musik an der Hochschule der Künste in Bern.
https://wernerhasler.com/
EN:
After her long career as the lead singer and qanoun player with the Palestinian group Sabreen, Kamilya Jubran moved to Europe in 2002. She has continued her search for original musical expression on vocals and oud, whilst exploring new spaces for her compositions and texts through the various projects she instigates and is part of. Of late, Werner Hasler and Sarah Murcia have become her main musical collaborators. She is the artistic director and co-founder of Zamkana Association, which accompanies original innovative artistic projects, supporting freedom of expression and secularism. 2025, she won an Aga Khan Music Award.
http://www.kamilyajubran.com/
Werner Hasler (Musikpreis Kanton Bern 2025) is a composer, electronic musician, and trumpet player who focuses on live sampling and sound spatialization. Apart from his long-standing collaboration with Kamilya Jubran, he has been working on his OUT series, consisting of various collaborations and hybrids of exhibition/installation and live performance. Werner Hasler is currently working and performing with Stefan Schultze as Boussole Animale, with Jim Black as Discontinued Rhythm, and with Hardi Kurda as Augmented Reality Orchestra. He also lectures on electronics and music at Hochschule der Künste in Bern.
https://wernerhasler.com/
Jodlerklub Lorraine-Breitenrain (21:45 – 22:15)
DE:
Der Jodlerklub Lorraine-Breitenrain ist seit 120 Jahren aktiv. Und singt Traditionelles so frisch wie Gletscherwasser, das sich mit der Aare durch die Bundesstadt schlängelt. Die Sängerinnen und Sänger hört man ebenso zwischen Bern Häuserzeilen wie auf ländlichen Dorffesten. Sie verpassen dieser Schweizer Tradition dabei gerne einen eigenen Twist: mit melodischen Überraschungen, offenen Herzen und der festen Überzeugung, dass Kultur verbindet.
EN:
The Jodlerklub Lorraine-Breitenrain has been active for 120 years, singing traditional pieces as fresh as the glacial water of the Aare, winding its way through the Swiss capital. You can hear the singers just as easily in Bern’s courtyards and at rural village feasts. The singers are happy to give this Swiss tradition a twist, with melodic surprises, open hearts, and the strong belief that culture connects.
Ego Death (22:15 – 23:00)
DE:
Der in Paris lebende Elektronikmusiker Niamké Désiré, alias Aho Ssan, und die in Warschau lebende Cellistin Resina entdeckten beim Unsound Festival eine intuitive musikalische Synergie und ein gemeinsames Vokabular, obwohl sie mit völlig unterschiedlichen Werkzeugen und Instrumenten arbeiten. Das Duo stellte sein gemeinsames Projekt Ego Death 2022 erstmals vor und veröffentlichte dieses Jahr sein Debüt bei Subtext Recordings. Ihre Musik strotzt vor düsterer, cineastischer Intensität, die die Tonalität des Cellos bis an ihre Grenzen ausreizt und die dabei entstehenden Texturen erforscht.
https://ahossan-resina.bandcamp.com/album/ego-death
Aho Ssan ist der Künstlername von Niamké Désiré. Er studierte Grafikdesign und Filmschaffen, entwarf daneben digitale Instrumente und elektronische Musik. In seinem Debütalbum Simulacrum untersuchte er anhand der Theorien Jean Baudrillards, wie scheinheilig Inklusion und Identitäten in der heutigen Gesellschaft verbreitet sind, ausgehend von Theorien Jean Baudrillards und seiner eigenen Erfahrung als schwarze Person, die in Frankreich aufwuchs. Danach folgte Rhizomes, das die Komplexität und Fragmentierung einer posthumanen Identität durch modulare Synthesizer und Zusammenarbeit erforschte. Mit Ego Death erweitert er seine Vision, auf einer tieferen Ebene mit elektroakustischem Klang und gemeinsamer Autorschaft neue Dialogformen zu kreieren. Aho Ssan hat zuletzt als Produzent der Episode Mapping Paris Through GRM’s Lens des Norient-Podcasts TIMEZONES mitgewirkt.
https://ahossan.bandcamp.com
https://norient.com/aho-ssan/resonating-spaces-mapping-paris-through-grms-lens
Resina ist das Pseudonym der in Warschau lebenden Cellistin und Komponistin Karolina Rec. Sie arbeitet häufig für Film, Theater und Spiele. Ihre drei Soloalben Resina (2016), Traces (2018, Remixe von Ben Frost und Abul Mogard) und Speechless (2021, ein Chorwerk für 24 Stimmen) verbinden bearbeitetes Cello, Gesang und Elektronik und bewegen sich zwischen Ambient, Noise, schweren Percussions und minimalistischen Strukturen. Ihre Musik schafft ein Gleichgewicht zwischen biologisch und synthetisch, intim und extrem und schafft einen Raum, in dem sich klassische Formen zu unklassifizierbaren emotionalen Landschaften entfalten.
https://resina.bandcamp.com/
EN:
Paris-based electronic musician Niamké Désiré, aka Aho Ssan, and Warsaw-based cellist Resina discovered an intuitive musical synergy and a shared vocabulary at Unsound, despite working with radically different tools and instruments. The duo premiered their collaborative project Ego Death in 2022, and this year, released their debut on Subtext Recordings. Their music brims with dark, cinematic intensity, stretching the tonality of the cello to its breaking point and exploring the textures left in its wake.
https://ahossan-resina.bandcamp.com/album/ego-death
Aho Ssan is the name of Paris-based Niamké Désiré. After a background in graphic design and cinema, he began creating digital instruments and composing electronic music. His debut LP Simulacrum navigates ideas of false inclusivity and identity in modern society, drawing on the theories of Jean Baudrillard and his own experience of growing up Black in France. His follow-up album Rhizomes explores the complexity and fragmentation of posthuman identity through modular synthesis and collaboration. With Ego Death, he further expands that vision, entering a profound dialogue with acoustic sound and shared authorship. He has previously collaborated with Norient as producer of the TIMEZONES episode «Mapping Paris Through GRM’s Lens».
https://ahossan.bandcamp.com
https://norient.com/aho-ssan/resonating-spaces-mapping-paris-through-grms-lens
Resina is the alias of Warsaw-based cellist and composer Karolina Rec. Working frequently for film, theater, and games, her three solo albums Resina (2016), Traces (2018, remixes by Ben Frost and Abul Mogard), and Speechless (2021, a choral work for 24 voices) blend processed cello, voice, and electronics, moving between ambient, noise, heavy percussion, and minimalist structures. Her music balances the tension between the biological and the synthetic, the intimate and the extreme, carving out a space where classical forms unravel into unclassifiable emotional landscapes.
https://resina.bandcamp.com/
LOGAN FEBRUARY (23:00 - 23:15)
DE:
Logan February schreibt zwischen Herkunft und Zukunft, Körper und Mythos. Als queerer Poet*in, sagte die nigerianische Autor*in in einem Interview, habe die sich von den Werten des Kolonialismus befreit und lasse sich heute von vorkolonialen Formen des Wissens und Seins inspirieren. Aus Yoruba-Traditionen, queerer Sehnsucht und der unerschöpflichen Fülle des Alltags schöpfend, bewegen sich Februarys Gedichte wie Geister – intim, ekstatisch und furchtlos.
https://loganfebruary.net/
EN:
Logan February writes at the crossroads – between ancestry and the future, body and myth. A queer poet forged in outsiderhood, the Nigerian poet has said that living outside the colonial frame freed them from its values and turned them back toward pre-colonial ways of knowing and being. Drawing from Yoruba traditions, queer longing, and the soft voltages of love and memory, their poems move like spirits – intimate, ecstatic, and unafraid.
Parco Palaz (23:15 – 00:00)
DE:
Parco Palaz ist ein Klang-Alchemist auf der Suche nach Frequenzen, mit denen er die Realität am liebsten verbiegen würde. Er komponiert für Filme und brennt Spuren in Vinyl. Seine Releases: Akoya Circles, TraTraTrax, Murk, SNC, Planisphere Editorial, TLT. Während andere schlafen, brennt sein Sound. Mit dem im Mai 2025 veröffentlichten «Okret» («Wendepunkt») legt Parco Palaz ein Album vor, das Hörerwartungen gekonnt austrickst. Was als neugierige Annäherung an melodische und rhythmischen Sprachen des Balkans begann, entwickelte sich zu einer künstlerischen und persönlichen Achterbahnfahrt.
EN:
Parco Palaz is a sonic imagineer chasing frequencies that twist reality. Composing for films and etching grooves into vinyl, his releases span the globe, and have been featured on Akoya Circles, TraTraTrax, Murk, SNC, Planisphere Editorial, and TLT. With Okret (meaning «Turn»), Parco Palaz delivers an album that doesn’t give a damn about expectations. What started as an exploration of the rhythms and melodic twists of the Balkans turned into a personal and artistic rollercoaster.
Ed Lalo (00:00 – 01:30)
DE:
Vor vielen Jahren verliess Ed Lalo das Eduverse und landete an einem unbekannten Ort. Seither versucht er, dorthin zurückzukehren. Auf seiner Reise begegnete er neuen, mehr oder weniger nahestehenden Menschen. Ed Lalo, auch bekannt als edu.cation, wechselt seine Pseudonyme so oft er mag und verwischt damit seine künstlerische Spur. Fürs Norient Festival kommen wir ihm trotzdem auf die Schliche: In seinen provokanten Sets, die von einer Vielzahl musikalischer Einflüsse geprägt sind, sucht Ed Lalo bewusst nach klanglichen Entgleisungen.
https://edutainment.bandcamp.com/album/here-for-a-lil-bit
EN:
Many years ago, Ed Lalo left the Eduverse and was stranded in a strange place. Now, he's trying to escape and get back. In the process, he meets many new people. Some become friends, others become foes. Ed Lalo, aka edu.cation, multiplies his aliases over the course of his projects, blurring his artistic trajectory. We tracked him: composing his sets from a wide range of musical influences, Ed Lalo provokes the derailment of frequencies.
https://edutainment.bandcamp.com/album/here-for-a-lil-bit
Axapgula presents: KruškaTv (01:30 – 03:00)
DE:
Unwiderstehlich mixt DJ KruškaTv und hält dabei jede*n in gut gelaunter Bewegung. Sie nimmt Clubmusik am liebsten auseinander und gruppiert experimentelle Sounds, Hyper- Elektropop oder Trance und hüpfende Technobeats miteinander. Kurzum: KruškaTv erhellt die Tanzfläche mit ihren stilistissch fluiden Sets.
https://www.instagram.com/kruska_tv/
EN:
Multi-genre DJ KruškaTv plays an irresistible mix that keeps bodies moving and spirits high. She loves the thrill of deconstructing club music and nonchalantly tossing experimental sounds together into a bubbling pot: hyper- and electro-pop melting into trance and bouncy techno. KruškaTv creates a genre-fluid ride of limitless fun that lights up the dance floor.
https://www.instagram.com/kruska_tv/
Block 10: Place Poetics: of Senegalese Sabar Drumming, West Bengali Bass Culture, and Sufi–Bakthi Singers
Beschreibung
20:00 – 0:00: Drei Filme + Q+A / Three Films + Q+A
DE:
Dieser Filmblock sucht die Nähe von Orten und Gemeinschaften. Denn senegalesischer Sabar, indischer Dub bis hin zu Folk sind eng verwurzelt mit dem Land, der Arbeit, und gemeinsam verbrachter Zeit. Musik ist hier keine Bühne, kein Scheinwerferlicht; sie ist ein Rhythmus, der in Familien weitergegeben und im Alltag lebendig gehalten wird. Transcriptions, Bass Boss und Music in a Village Named 1PB lauschen in Dörfer, Nachbarschaften und Familien hinein und vermitteln eine leise Botschaft, die hellhörig macht: Klang gehört irgendwohin – und er erinnert sich.
EN:
This film block stays close to the ground and to community. From the Senegalese music style sabar to Indian dub and folk music, sound grows out of land, labor, and shared time. Music isn’t staged or spotlighted here; it’s rhythm held in families, passed through practice, carried by breath and everyday life. Transcriptions, Bass Boss, and Music in a Village Named 1PB move through villages and neighborhoods, listening to how music holds place and how place holds people. A quiet insistence: sound belongs somewhere – and it remembers.
Transcriptions (30 min)
DE:
Transcriptions führt uns zu Senegals reicher Tradition der Sabar-Trommeln. Wir folgen deren Spuren durch Familien, dem kulturellen Erbe und sich wandelnden Geschlechterrollen. Ethnografische Dialoge erhalten einen spekulativen Touch. In diesem eindringlichen Porträt lebt Rhythmus als Tradition und Zukunft, die stetig neu interpretiert werden.
EN:
Transcriptions looks at Senegal’s sabar drumming tradition, tracing its lineage through family, heritage, and evolving gender roles. Blending ethnographic dialogue with a speculative touch, the film gives attention to both the musicians and the music, revealing a practice that honors tradition while reshaping it. A focused and resonant portrait of rhythm as culture, continuity, and change.
20:00 – 20:30
Regie/Director: Hiroo Tanaka – 30 min
Land/Country/Jahr/Year: SEN
Sprachen/Languages: French, Wolof
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Tradition, Dance, Place
Bass Boss - Discussion with Directors (17 min)
DE:
Dieser Kurzfilm taucht in die ungeschliffene Bass-Kultur Westbengalens ein und folgt DJ Khobir und einer erfindungsreichen und elektrisierenden Szene. Er zeigt einen Sound, der sich nicht aus globalen Szenen ableitet, sondern in einem Wohnquartier und aus Eigeninitiative heraus entstand. Ein Porträt des Bass-Pop als Identität, Energie und Ort – laut, oft von Hingabe durchdrungen und von männlicher Kraft getragen.
EN:
This short documentary dives into the raw, home-grown bass sound system and culture unique to West Bengal. It follows protagonist DJ Khobir and a high-octane scene that erupted from a neighborhood, and an unmistakably unique drive. A portrait of popular bass as identity, energy, and place – loud, often steeped in devotion, and male-driven.
Discussion with the Directors Hiroo Tanaka and Rana Ghose (online). Hosted by Yashawini, Suvani Suri and/or Philipp Rhensius
20:30 – 20:50
Regie/Director: Rana Ghose – 17 min
Land/Country/Jahr/Year: IND 2025
Sprachen/Languages: Bengali
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Tradition, Dance, Place, Music Business
Music in a Village Named 1PB (132 min)
DE:
Dieser abendfüllende Dokumentarfilm führt uns in ein Wüstendorf im Westen Indiens, wo Lieder Grenzen, Zeit und Dürre überdauern. Gedreht mit Geduld und Vertrauen, begleitet der Film Sänger*innen, die eine Sufi-Bhakti-Tradition bewahren – an einem Ort, an dem das Land ausgetrocknet ist, die Linien verhärtet und die Musik als Erinnerung, als Geschichten und stille Gegenwehr überlebt.
EN:
This feature-length documentary takes us to a desert village in Western India where songs outlast borders, time, and drought. Shot with patience and trust, the film follows singers who protect a Sufi–Bhakti tradition in a place where the land has dried, lines have hardened, and music survives as memory, stories, and quiet defiance.
21:45 – 0:00
Regie/Director: Surabhi Sharma – 132 min
Land/Country/Jahr/Year: IND 2025
Sprachen/Languages: Saraki/Hindi
Untertitel/Subtitles: English
Themen/Topics: Tradition, Place, Music Business